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Art Paris Art Fair - Photo © Emmanuel Nguyen Ngoc

ART PARIS ART FAIR 2018

Grand Palais - Paris ( 5 al 8 de Abril 2018 )

En 2018 se celebra el 20º aniversario de Art Paris Art Fair. Desde su fundación en 1999, la feria se ha establecido como el principal evento de arte moderno y contemporáneo de la primavera en París. La edición 2018 acogerá 142 galerías que presentan a más de 990 artistas de 73 países que ofrecen una visión general del arte europeo desde la posguerra hasta el día de hoy, dejando espacio para los nuevos horizontes de la creación internacional de América Latina, África, Asia y Medio Oriente.

Abierta a todas las formas de expresión artística, incluyendo video arte y diseño, Art Paris Art Fair ofrece un enfoque temático que enfatiza el descubrimiento y el redescubrimiento. El país invitado de este año es Suiza y la feria también estará mirando la escena artística francesa con un nuevo tema desarrollado especialmente para el vigésimo aniversario, así como las exposiciones monográficas habituales en Solo Show y artistas emergentes en Promesses.






Perspective view of Art Biofarm. © junya.ishigami+associates

JUNYA ISHIGAMIi - Freeing Architecture

Fondation Cartier pour l’art contemporain ( 30 de Marzo - 10 de Junio 2018 )

La Fondation Cartier pour l'art contemporain presenta Freeing Architecture, la primera gran exposición individual dedicada al trabajo de Junya Ishigami. Una figura importante y singular de la escena de la arquitectura joven de Japón, Ishigami-ganador del Premio León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2010, es el creador de un trabajo conceptual y poético en el que el paisaje ocupa un lugar importante.

Para la exposición Freeing Architecture, concebida específicamente para la Fondation Cartier, Ishigami revela veinte de sus proyectos arquitectónicos en Asia y en Europa. Estos proyectos se presentan a través de una serie de modelos a gran escala, acompañados de películas y dibujos, que documentan sus diferentes etapas de concepción y construcción. En diálogo con el emblemático edificio de Jean Nouvel, este evento es también la primera exposición individual a gran escala que la Fondation Cartier pour l'art contemporain ha dedicado a un arquitecto.






Marc Chagall "Au-dessus de la ville" 1914-1918 Galerie Nationale Tretiakov @ Adagp Paris 2017

CHAGALL, LISSITZKY, MALÉVITCH. L'avant-garde Russe a Vitebsk (1918-1922)

Centre Pompidou, Paris ( 28 Marzo - 16 Julio 2018 )

La exposición que el Centre Pompidou dedica a la vanguardia rusa de 1918 a 1922 se centra en la obra de tres de sus figuras emblemáticas: Marc Chagall, El Lisitski y Kazimir Malévich. También presenta trabajos de docentes y estudiantes de la escuela de Vítebsk, creada en 1918 por Chagall: Vera Yermoláieva, Nikolái Suietin, Iliá Cháshnik, Lázar Jidékel o David Yákerson.

A través de un conjunto inédito de doscientos cincuenta obras y documentos, este evento pone el foco por vez primera en los años posrevolucionarios en los que, lejos de las metrópolis rusas, la historia del arte se escribía en Vítebsk.






Presos políticos @Santiago Sierra

ARCO madrid 2018

Ifema . Feria de Madrid ( 21 - 25 de Febrero )

ARCOmadrid 2018 reunirá en los pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid a un total de 211 galerías de 29 países, de las cuales 160 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: “El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer”, con la colaboración de CNP Partners y una selección de 20 galerías; Diálogos, con 14 y Opening, con 19.






JOAN MIRÓ / Sin título (Diseño para estarcido), ca. 1946. Fundació Joan Miró. © Successió Miró 2018

JOAN MIRÓ . Orden y desorden

IVAM Centre Julio Gonzalez ( 15 Febrero - 17 Junio . 2018 )

La obra de Joan Miró sigue viva, todavía interroga nuestros tiempos. Uno de los referentes de las primeras vanguardias del siglo XX se resiste a ser colocado en el mausoleo de la historia del arte, aquel lugar en el que la creación pierde toda posibilidad de conflicto. La exposición “Joan Miró, orden y desorden” explora los trazos de indisciplina que el artista fue dejando a lo largo de su trayectoria. Ya en sus inicios la disciplina, el aprendizaje, se convierten para él en un cautiverio del que empezará a liberarse al llegar a París.

A partir de aquí, Miró desplegará un singular recorrido en el que el orden artístico y cultural es siempre cuestionado. Su pintura se convierte en un conflicto permanente que explota entre 1969 y 1973; sus personajes mantienen una pugna entre realidad y representación; y su obra se expande hacia la sociedad con su prolífica labor en el campo de la obra pública, los carteles entendidos como grafitis urbanos y su participación en la celebración teatral de la muerte del dictador, Mori el Merma.






Courtesy Art Basel © Art Basel

ART BASEL MIAMI BEACH 2017

Miami Beach Convention Center ( 7 al 10 de Diciembre, 2017 )

Las principales galerías de América del Norte, América Latina, Europa, Asia y África muestran obras significativas de los maestros del arte moderno y contemporáneo, así como de la nueva generación de artistas emergentes. Pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, películas y ediciones de la más alta calidad se exponen en centro principal de exposiciones. Impresionantes obras de arte a gran escala, películas y performances se convierten en parte del paisaje al aire libre de la ciudad de Miami en las cercanías de Collins Park y SoundScape Park.






David Hockney - John Baldessari, © David Hockney Foto: Richard Schmidt

DAVID HOCKNEY - 82 retratos y 1 bodegón

Museo Guggenheim Bilbao (10 de Noviembre, 2017 – 25 de Febrero, 2018)

Tras la gran exposición de paisajes que el Museo Guggenheim Bilbao le dedicó en 2012, David Hockney se alejó de la pintura, dejó su casa de Yorkshire y regresó a Los Ángeles. Poco a poco, y comenzando por una representación del jefe de su estudio, volvió a la tranquila contemplación que conlleva la pintura de retratos. A lo largo de varios meses, el género del retrato le absorbió totalmente, y comenzó a invitar a su estudio a diferentes personas de su entorno, familiares, amigos y conocidos, entre los que se encontraban trabajadores de su estudio, otros artistas, curators y galeristas.

Todas las obras realizadas en este período tienen el mismo tamaño, muestran al modelo sentado en la misma silla y con el mismo azul de fondo, y todos fueron pintados en el transcurso de tres días. No obstante, el virtuosismo pictórico de Hockney logra que las diferentes personalidades de los modelos afloren en el lienzo de manera cálida e inmediata. Esta exposición presenta los retratos realizados recientemente por David Hockney, con un renovado vigor, que ofrecen una instantánea íntima del mundo artístico de Los Ángeles y de las personas que se han cruzado en el camino del artista en los últimos años.






William Kentridge, Basta y Sobra . Foto ©Joaquín Cortés / Román Lores

WILLIAM KENTRIDGE . Basta y sobra

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( 1 de noviembre de 2017 - 19 de marzo de 2018 )

La muestra organizada por el Museo Reina Sofía plantea que el trabajo escénico de Kentridge (Johannesburgo, 1955), galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2017, no se puede entender como un discurso en paralelo al plástico. Al contrario, se trata de una misma esencia que encuentra manifestaciones distintas que se retroalimentan continuamente. La propia evolución, de la trayectoria intelectual y profesional de Kentridge, artista poco frecuente en los museos de España, testimonia perfectamente la simbiosis de ambos "mundos".

Kentridge se trasladó en su juventud a París durante un año para cursar estudios de teatro y mimo. A su regreso a Sudáfrica, en 1982, continuó su trabajo en teatro y en la industria del cine, pero fueron las artes plásticas las que a principios de los 90 le posicionan internacionalmente, obteniendo gran reconocimiento tras su participación en la primera Bienal de Johannesburgo (1995).

Desde esa época ha combinado la práctica del dibujo con el cine y el teatro, convirtiéndose en un artista multidisciplinar que ha cultivado, además, la escenografía, el collage, el grabado, la escultura y el videoarte. A partir de 2003, Kentridge comenzó a interesarse por la escultura y la videoinstalación y a incluir referencias al teatro, la ópera y el cine en sus nuevos trabajos.






©Juan Muñoz. Double Bind, 2001. Instalación en PLANTA, 2017

JUAN MUÑOZ - Double Bind

PLANTA Fundación Sorigué. La Plana del Corb, Lérida (20 de Octubre, 2017 - 20 de Octubre 2022)

Si alguien se pregunta por qué Double Bind, la pieza monumental que Juan Muñoz realizó para la sala de Turbinas de la Tate Modern, está considerada una de las obras fundamentales de la escultura contemporánea, ahora tiene la oportunidad de descubrirlo y experimentarlo en PLANTA, el nuevo proyecto que el grupo y la Fundación Sorigué han puesto en marcha en sus instalaciones, en las proximidades de Lérida.

Double Bind fue creada en el año 2000 para mostrarse como parte de las “Unilever Series”, un encargo específico que la Tate encomendó a Juan Muñoz y que estuvo comisariado por James Lingwood y Susan May. La realización de este proyecto –el segundo de la serie, por detrás de I Do, I Undo and I Redo, de Louise Bourgeois– supuso el reconocimiento internacional definitivo para situar a Muñoz entre los más respetados artistas del siglo XX. La inesperada muerte del escultor, pocos meses después de la inauguración, truncó su prometedora carrera, siendo Double Bind su último gran trabajo.






August Rodin - Andromeda.© agence photographique du musee Rodin - Pauline Hisbacq

AUGUSTE RODIN - El Infierno según Rodin

Fundación MAPFRE Casa Garriga Nogués . Barcelona (11 de Octubre, 2017 - 21 Enero, 2018)

Esta exposición reúne un centenar de esculturas y unos treinta dibujos, que raramente han sido expuestos, así como varias maquetas y modelos que permiten seguir el proceso creativo del escultor y la evolución que fue sufriendo la Puerta a lo largo de los años. Considerada como la obra central de la carrera del escultor francés, que trabajó durante más de veinte años en ella, esta obra monumental ofrece una visión espectacular del infierno, febril y tormentosa, pero también sensual y evocadora.

La exposición El Infierno según Rodin, organizada con motivo del centenario de la muerte del artista, recorre la historia de esta obra icónica, que el artista nunca dio por terminada y que fue expuesta una única vez. Las esculturas, maquetas y dibujos reunidas permiten descubrir el proceso creativo de Rodin, así como el conjunto de su carrera, pues en la Puerta se condensan sus indagaciones estilísticas y de ella surgieron algunas de sus esculturas más conocidas, como El pensador, El beso o Ugolino, consideradas auténticos hitos de la Historia del Arte.






Anthony Caro - Purling 1969 - ©Barford Sculptures, courtesy Annely Juda Fine Art

FRIEZE LONDON & FRIEZE MASTERS 2017

Regent’s Park ( London ) ( 5 – 8 Octubre 2017 )

Frieze London cuenta con más de 160 de las galerías principales del mundo. Ver y comprar arte de más de 1.000 de destacados artistas contemporáneos, y la experiencia de la aclamada por la crítica, Frieze Projects and Talks programmes

Frieze Masters cuenta con más de 130 de las más importantes galerías modernas e históricas de todo el mundo, mostrando arte de la era antigua y los maestros de finales del siglo XX.






© Lluis Lleó

LLUÍS LLEÓ - All Mighty Pencil

Centre d´ art Tecla Sala ( 28 de Septiembre, 2017 – 7 de Enero, 2018 )

La exposición presenta un conjunto de siete papeles de gran formato, realizados este último año que, junto a otros de medio formato, complementan una de las series más delicadas del artista. Cada uno de los grandes papeles de Nepal están construidos por otros dieciocho que cosidos entre ellos, son una alusión al valor de las pequeñas cosas, a la constancia y la exigencia, semilla de todas las grandes obras del ser humano.

Lluís Lleó ha utilizado durante su trayectoria un diálogo permanente con el papel como territorio de reflexión y experimentación con la pintura. El papel, como la propia piel, es sujeto, testigo del paso del tiempo y de todas y cada una de las experiencias humanas. A partir del recorrido vital del artista, de este ir y volver entre la actividad frenética de la ciudad de Nueva York donde vive y la referencia mental del recuerdo de su paisaje Ampurdanés, reivindica la experiencia de la pintura como una herramienta en la que los tiempos, los procesos manuales y el resultado final configuran una actitud personal y poética.






Joan Brossa "Tinter abocat", 1969. Foto: Toni Coll

JOAN BROSSA - Poesía Brossa

MACBA Museu d´Art Contemporani de Barcelona ( 21 de Septiembre 2017 - 25 de Febrero, 2018 )

El MACBA presenta Poesía Brossa, una revisión del trabajo de este artista a través de los libros, las investigaciones plásticas, atravesando el teatro, el cine, la música, las artes de acción, los gestos de los que fue pionero.

Podría parecer una obviedad reconocer en Joan Brossa (Barcelona, 1919/98), sobre todo, a un poeta, pero creemos que es necesario enfatizarlo en relación con su manera de hacer, su poiesis. La exposición quiere poner en diálogo y confrontar su obra con los artistas Marcel Mariën, Nicanor Parra y Ian Hamilton-Finlay. Brossa es poeta, pero sus trabajos siempre se encuentran en el cruce de lenguajes. Colaborador frecuente de otros artistas, así como de músicos, cineastas, bailarines, humoristas e incluso magos, su obra juega constantemente a romper las convenciones y los límites entre disciplinas.






© Istanbul Biennial

BIENAL DE ESTAMBUL - A good neighbour

15ª Bienal de Estambul ( 16 de Septiembre - 12 de Noviembre de 2017 )

La Fundación de Estambul para la Cultura y las Artes ha estado organizando la Bienal de Estambul desde 1987. La bienal tiene como objetivo crear un punto de encuentro en Estambul en el campo de las artes visuales, entre artistas de diversas culturas y el público. Las catorce bienales que el IKSV ha organizado hasta ahora, han permitido la formación de una red cultural internacional entre los círculos artísticos locales, internacionales, artistas, comisarios y críticos de arte, reuniendo cada dos años nuevas tendencias en el arte contemporáneo.

Considerada como una de las más prestigiosas bienales junto a Venecia, Sao Paulo y Sydney, la Bienal de Estambul prefiere un modelo de exposición que permite un diálogo entre artistas y el público a través del trabajo de los artistas en lugar de un modelo de representación nacional. El comisario, nombrado por un consejo consultivo internacional, desarrolla un marco conceptual según el cual una variedad de artistas y proyectos son invitados a participar.






Andy Warhol "Marilyn" 1967. ©The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts

WARHOL - El arte mecánico

Caixa Forum Barcelona ( 14 de Septiembre - 31 de Diciembre de 2017 )

La muestra subraya la forma con la que Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 – Nueva York, 1987) capta el culto a la mercancía surgido de las invenciones industriales del siglo XIX. Siempre atento al avance técnico e industrial, Warhol usó todo tipo de técnicas y de máquinas, desde la serigrafía hasta la grabadora de vídeo, con patrones productivos que él mismo definió como "propios de una cadena de montaje".

Este arte mecánico, aparentemente impersonal, niega cínicamente toda carga espiritual intencionada. El silencio nihilista de Warhol es, de hecho, uno de los factores que dan altura poética a su trabajo. Junto a una selección de ensayos escritos por teóricos de su obra, la exposición incluye una sección de retratos del artista, tomados por fotógrafos como Alberto Schommer, Richard Avedon o Robert Mapplethorpe.






Louise Bourgeois, "Spider Couple", 2003, Photo: Christopher Burke, © The Easton Foundation

LOUISE BOURGEOIS - Twosome

Tel Aviv Museum of Art ( 8 de Septiembre, 2017 – 21 de Enero, 2018 )

Por primera vez en Israel, el Museo de Arte de Tel Aviv presenta una exposición individual completa dedicada a la innovadora artista franco-estadounidense Louise Bourgeois (1911-2010), una de las mujeres más brillantes, prominentes e influyentes del arte del siglo XX . La exposición explora la dualidad en los conceptos y formas de Bourgeois; los diálogos entre el interior y el exterior, consciente e inconsciente, masculino y femenino, el cuerpo y la arquitectura, pasivos y activos.






XXXI-34 © Erwin Bechtold

ERWIN BECHTOLD

Sala d'Exposicions El Roser . Ciutadella . Menorca. (11 de Agosto - 30 de Septiembre de 2017)

La obra de Erwin Bechtold presenta un concepto espiritual muy significativo: la dualidad, la confrontación de elementos opuestos. Bechtold, no busca la armonía entre contrastes, al contrario, sabe visualizar la lucha entre los elementos; esta inquietud, es la que provoca la tensión en sus obras.

En esta exposición de 2017 en El Roser, Erwin Bechtold, que sigue trabajando incansablemente, nos presenta su obra más reciente, en la cual encontramos una notable variación en su vocabulario, ahora las confrontaciones se articulan entre la geometría y señas efectuadas de forma rápida y descontrolada originando tensiones entre la razón y la expresividad

Una vez más, nos encontramos ante una temática inconfundible, propia del artista, que ha ido desarrollando notablemente durante toda su trayectoria.
Erwin Bechtold, presenta una pintura arriesgada, muy racional; pero al mismo tiempo, muy emocional. Dos bases, razón y emoción, que representan el hilo conductor que simboliza toda su obra.

Con palabras del artista “El hombre ocupa el centro de mi trabajo; como la naturaleza, vive en contrastes, tensiones, perturbaciones. Existencialmente, estamos sujetos al juego del desorden controlado, y al orden descontrolado. Mis cuadros son un intento de transferir ese complejo enigma a la realidad artística"






Sin título 1998 © Chema Madoz

CHEMA MADOZ . Ars Combinatoria

Kutxa Kultur Arteguneak . ( 21 de Julio - 5 de Noviembre de 2017 )

Su especial modo de interpretar el arte a través de la fotografía y su visión poética han hecho de Chema Madoz (Madrid, 1958) uno de los creadores más interesantes de la escena artística contemporánea. Su trabajo muestra las relaciones escondidas entre los objetos e indaga en las trampas de la visión, abriendo una ventana a nuestra mejor comprensión del mundo.

Chema Madoz quiere acentuar el acontecimiento y enfatizar la ironía que subyace en los objetos. Trabaja con los objetos y se enfrenta a ellos de diversas maneras: el objeto encontrado, sin alterar, el objeto manipulado y el objeto inventado y construido por él mismo en su estudio. El artista se considera un escultor de objetos que opera desde el punto de vista de un fotógrafo y señala que la fotografía es el registro de la memoria que le permite fijar sus ideas. En los diversos procedimientos que utiliza: condensaciones, asociaciones, yuxtaposiciones, desplazamientos, ars combinatoria, encuentros fortuitos a los que somete a los objetos, Madoz se emparenta con los surrealistas en esa búsqueda de nuevos significados, nuevos parentescos, nuevos caminos por donde dejar vagar la imaginación. Hay también en estos desplazamientos, metamorfosis, combinaciones o búsqueda de relaciones entre los objetos, una especie de ligereza que se asocia con la idea de juego.

Algunos de los desplazamientos formales de este creador son mínimos, pero de una eficacia extraordinaria. Lo cotidiano le inspira las más curiosas asociaciones y en ellas hay siempre un transfondo de juego. Gestos y construcciones donde consigue que lo más raro parezca normal, como cuando coloca una sandalia sobre una bota. Trata de mostrar cambios sutiles de las cosas, añadidos o sustracciones, desplazamientos o metamorfosis, que generan una singular extrañeza.

La exposición presenta un extenso recorrido por el trabajo de Chema Madoz. Aborda la trayectoria del artista en su conjunto, ofreciendo una amplia panorámica de los diversos estadios por lo que ha pasado su obra hasta el momento, así como de su evolución y el cambio de los objetos que han llamado su atención.






Anthony Caro, Erl King (2009). ©Barford Sculptures, courtesy Annely Juda Fine Art. Photo: Stephen White.

FRIEZE SCULPTURE 2017

London's Regent's Park ( 5 de Julio - 28 de Octubre 2017 )

Seleccionada por Clare Lilley (Directora del Programa Yorkshire Sculpture Park) y presentada por las principales galerías internacionales, la primera exposición de verano de Frieze en los jardines ingleses de The Regent's Park reúne 25 significantes obras de artistas contemporáneos del siglo XX de todo el mundo: Magdalena Abakanowicz, Rasheed Araeen, Reza Aramesh, Miquel Barceló, Anthony Caro, John Chamberlain, Tony Cragg, Michael Craig-Martín, Urs Fischer, Gary Hume, KAWS, Takuro Kuwata, Alicja Kwade, Mimmo Paladino, Eduardo Paolozzi, Jaume Plensa, Thomas Price, Peter Regli, Ugo Rondinone, Sarah Sze, Hank Willis Thomas, Bernar Venet, John Wallbank y Emily Young,






Walking on the Edge (2012) © Bill Viola

BILL VIOLA : Retrospectiva

The Guggenheim Museum Bilbao ( 30 de junio – 9 de noviembre, 2017 )

Ya en sus tempranas cintas monocanal, Bill Viola aborda cuestiones tan importantes en su obra como la noción del tiempo, el significado de nuestra existencia y nuestro lugar en el mundo.

Con la llegada del nuevo milenio y las tecnologías de alta definición, Viola pudo crear instalaciones monumentales como Avanzando cada día, en la que cinco grandes proyecciones murales que comparten un mismo espacio invitan al espectador a adentrarse en la luz, y reflexionar sobre su vida y la existencia humana.

Durante la última década Bill Viola ha seguido meditando en torno a los procesos de transformación en la vida, el ciclo nacimiento-muerte-renacimiento y el espacio entre estos momentos, como puede apreciarse en su instalación de siete canales Los soñadores (The Dreamers, 2013).

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Bill Viola: retrospectiva, un recorrido temático y cronológico por la trayectoria de uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo y pionero en el desarrollo del videoarte. Esta ambiciosa exposición, que aporta una completa visión del trabajo de Viola y de la evolución del arte audiovisual como forma artística, está organizada por el Museo Guggenheim Bilbao y cuenta con el patrocinio de Iberdrola.






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